Hyung-ki Joo, Teil 2

Hyung-ki Joo ist ein Multitalent: Er ist Kenner der Tradition und Entdecker neuer Wege, Koch und Gourmet,  Botschafter der Musik, der Inspiration und ein begeisterter Designer des Glücks. Mit ihm spreche ich über den Menschen Hyung-ki Joo, den Pianisten, Komponisten und Non-Konformisten, den musikalischen Humoristen, den Lehrer und den ständig Lernenden mit einen Ehrendoktor-Titel…

Lesen Sie hier den zweiten Teil unseres beeindruckenden Gesprächs! (Sollten Sie den ersten Teil verpasst haben, finden Sie ihn hier)

Herr Joo, Ihr Lebenslauf in den Programmheften und auf Ihrer Website beginnt oft mit den Worten: Hyung-ki Joo wurde geboren ...

Das ist eine Tatsache!

… Ich persönlich finde diesen Ansatz großartig. Nicht nur, weil er so lustig ist, sondern weil er für mich alles Wesentliche ausdrückt ...

[lacht]...

...und uns die Absurdität von allem Überflüssigen so drastisch vor Augen führt. Was ist für Sie in Ihrem Leben wesentlich – und worauf können Sie wirklich verzichten?

[lacht] Tja, das ist eine verrückte Frage – nur weil man stundenlang reden könnte ... also ... was ist das Wesentliche und worauf könnte ich verzichten ... wow.

Man entdeckt die wesentlichen Dinge, wenn einem plötzlich alles entzogen wird. Ich denke, in gewisser Weise ist die Person, die nichts zu verlieren hat, die leichteste. Denn wenn sie die Tasche packen und umziehen muss, gibt es nichts zu packen ...

Ok, abgesehen von den offensichtlichen Dingen, Essen, warmen Decken, einem Schlafplatz und all dem, denke ich, dass es am wichtigsten ist, Menschen zu haben, denen man vertrauen kann. Menschen, die um einen herum sind, die liebenswert und freundlich sind. Wenn man Vertrauen, Freundlichkeit und Liebe um sich herum hat, kann man jede Situation meistern, egal wie katastrophal die Dinge sind.
Worauf ich definitiv verzichten könnte, ist negative Energie, die Gegenwart von Menschen, die sich über Dinge beschweren, über die man sich nicht wirklich beschweren muss. Sich auf Dinge zu konzentrieren, ...

...die es nicht wert sind, dass man sich auf sie konzentriert?

Genau! Ich denke, wir alle sollten uns mindestens einmal am Tag einen Realitätscheck gönnen. Ich habe einmal ein Buch gelesen, in dem ein sehr erfolgreicher CEO sagt, dass er ab und zu in ein billiges Zwei-Sterne-Hotel geht und dort eine Nacht verbringt.

...ist es das?

Ist es das? ... Es scheint nur so, das ist die eigentliche Gefahr! Wenn man zu Hause bleibt und nicht rausgeht, passiert einem nichts – theoretisch. Aber ich denke, das widerspricht dem Sinn des Lebens. Man muss die Straße überqueren! Man könnte von einem Auto angefahren werden. Das ist Pech, hoffentlich überlebt man den Unfall. Aber wenn man die Straße nicht überquert, erkundet man nichts – und kommt nicht aus seiner gemütlichen Bequemlichkeit heraus.

Ich habe dieses großartige Zitat von John A. Shedd gelesen: "Ein Schiff, das im Hafen anlegt, ist sicher, aber dafür werden Schiffe nicht gebaut.“ Mit anderen Worten: Man muss sich diesen Stürmen stellen; man muss das Risiko eingehen, dass man ertrinkt. Wenn man das nicht tut, wird man die neue Welt nicht entdecken.

„Entdecke die neue Welt“ ist das perfekte Stichwort: Sie haben an der Yehudi Menuhin School mit dem Klavierspielen begonnen und später Ihren Abschluss an der Manhattan School of Music gemacht. Erinnern Sie sich noch daran, wie es war, Ihr Diplom in den Händen zu halten?

[lacht laut] Viele meiner sogenannten „Erfolge“ dienten dazu, meinem Vater zu gefallen. Ich glaube, mein Abschluss bedeutete meinem Vater viel mehr als mir. Zu meiner Masterfeier bin ich nicht einmal hingegangen. Zu meiner Bachelorfeier kam mein Vater. Das zeigt, wie wichtig es ihm war, denn er musste extra von London nach New York fliegen. Diese Feier, seinen Sohn zu sehen, der mit einer lustigen Mütze und dem ganzen Abschlussmantel bekleidet war und dieses Stück Papier entgegennahm, bedeutete ihm sehr viel. Zur Masterfeier ist er nicht hergeflogen, und deshalb bin ich auch nicht hingegangen.

Ihre Diplome hatten also für Sie keinen Wert, außer dass Sie sie hatten?

Vor kurzem wurde mir die Ehrendoktorwürde der Manhattan School of Music verliehen. Als ich den Doktortitel erhielt, musste ich auch eine Rede halten. Also sprach ich zu den Studenten. Und was ich ihnen über den Abschluss sagte, war in etwa Folgendes:

Das Stück Papier, die ihr heute erhalten werdet, wird zum Teil an einer Wand hängen, zum Teil wird es auf dem Dachboden verstauben. Aber es ist bei allen genau gleich, bis auf eine Sache: euren Namen! Euer Name auf diesem Stück Papier macht diesen Abschluss einzigartig. Also lobt nicht das Stück Papier, sondern feiert eure Einzigartigkeit und geht euren eigenen Weg – so schwierig er auch sein mag. Schafft euch eure eigene Nische.

Das klingt jetzt wahrscheinlich einfacher, als es wirklich ist ... Wo liegt der Fehler?

Ich denke, wir promoten uns viel zu sehr. Wir definieren uns über unsere Abschlüsse und unsere Leistungen – aber diese ganze Sache mit der Expertise ist eine sehr riskante Angelegenheit. Natürlich verlassen wir uns auf Experten, wir wollen Experten sein, aber auch hier gilt: Viele Experten verharren in ihrer Expertise und sehen keine Lösungen außerhalb dieser Expertise. Experten können also irreführend sein. Medizinische Abschlüsse können irreführend sein ...

… Ich schließe aus Ihren Worten also, dass einige Aspekte der klassischen Musik in der Klassik feststecken …

Absolut! Alex Ross, ein großartiger Musikautor, schrieb im ersten Kapitel seines Buches „Listen to This”:

Irgendwie müsste „klassische Musik“ eigentlich einen anderen Namen haben. Sie sollte einfach „Musik“ heißen!

Heute sind Sie weltberühmt für Ihr Comedy-Duo Igudesman & Joo. Was war ausschlaggebend für Ihre Entscheidung, mit Aleksey Igudesmann eine völlig andere berufliche Richtung einzuschlagen?

Es war nicht wirklich eine Entscheidung – es war eher das Bedürfnis, das Problem der klassischen Musik zu lösen oder zumindest aus unserer Perspektive anzugehen. Wie ich bereits erwähnt habe, war ich derjenige, der klassische Musik am meisten liebte, aber wenn ich in Konzerten saß, wollte ich oft den Konzertsaal verlassen. Also wollte ich ein Konzerterlebnis rund um klassische Musik schaffen, bei dem Menschen wie ich nicht gehen wollten.

Gleichzeitig wollte ich klassische Musik für Menschen zugänglicher machen, die noch nie damit in Berührung gekommen waren, sich davon ausgeschlossen fühlten oder sogar Angst davor hatten. Das klingt vielleicht etwas selbstverherrlichend, aber ich habe das wirklich getan, weil ich klassische Musik so sehr liebe und diese Freude und Leidenschaft mit möglichst vielen Menschen teilen wollte. Das mit Humor und Theatralik zu mischen, ist nur ein Ansatz, aber ein sehr effektiver, um Menschen anzusprechen.

Victor Borge hat einmal gesagt: „Lachen ist die kürzeste Entfernung zwischen zwei Menschen.“ Und der Dalai Lama hat etwas Ähnliches gesagt: „Wenn du jemanden triffst, erzähle ihm zuerst einen Witz, dann habt ihr eine Verbindung.“ Durch das Lachen entspannt sich der Körper, öffnet sich, und der Geist wird empfänglicher für Kreativität. Wenn Sie also einen Weg finden, die Leichtigkeit zurückzubringen – Leichtigkeit und Lachen sind schließlich Verwandte –, dann können Sie eine Verbindung zu Ihrem Publikum herstellen. Wenn Sie jedoch mit einer schweren, übertrieben ernsten Einleitung beginnen, laufen Sie Gefahr, Ihr Publikum zu verlieren.

Wenn Sie an Ihre Studienzeit zurückdenken, wie oft wurden Sie vor den Risiken gewarnt und wie oft wurden Sie ermutigt, die Möglichkeiten zu sehen?

Es gab fast keine Warnungen. Und es gab fast keine Ermutigung, andere Möglichkeiten zu erkunden. Ich denke, das ist einer der größten Fehler des klassischen Musikausbildungssystems.

Die meisten klassischen Musikausbildungen sind darauf ausgerichtet, Solisten hervorzubringen. Ein Solist ist ein ganz besonderer Musiker, der jederzeit, unter extremem Druck, im Fernsehen, im Radio, wo auch immer, 30 Konzerte spielen muss – mühelos, fehlerfrei, auswendig. Nacht für Nacht. Aber nur weil man das kann, ist man noch lange kein echter Musiker. Es gibt Pianisten, deren Finger so schnell sind, dass sie mit der Energie, die sie erzeugen, eine Glühbirne zum Leuchten bringen könnten. Aber wenn man ihnen einen langsamen Satz aus einem Klaviertrio zum Spielen gibt, würden viele von ihnen zusammenbrechen.

Aber geben Sie ihnen die zweite Violinstimme in Schuberts Rosamunde-Quartett, und sie würden wahrscheinlich zusammenbrechen. Bitten Sie sie, ein Kammerorchester zu leiten, und sie würden wahrscheinlich versagen. Und hier liegt das Problem: Es gibt nicht genug Jobs für Solisten. Wir bilden also all diese Musiker aus, aber es gibt nur Platz für wenige. Was passiert mit den anderen Hunderttausenden?

Die Situation scheint aussichtslos ... Gibt es eine Lösung?

Es gibt viele andere Möglichkeiten, wie Sie als Musiker zufrieden sein und sogar einen angemessenen Lebensunterhalt verdienen können! Natürlich müssen Sie in der Lage sein, sich zu ernähren und ein Dach über dem Kopf zu haben. Denken Sie daran, dass ich erwähnt habe, dass Sie die Freude und die Resonanz, die Sie erhalten, wenn Sie für ältere Menschen oder junge Patienten spielen, niemals in der Carnegie Hall erleben werden! Niemals! Kein Geld der Welt und keine Standing Ovations können auch nur annähernd das Erlebnis ersetzen, ein paar Minuten lang für Menschen zu spielen, die keinen Zugang zu Musik haben!
Und dann kommst du zu der Frage: Warum bin ich Musiker? Warum spiele ich Musik? Wozu dient Musik? Diese Fragen musst du dir selbst beantworten.
Ich möchte das Spielen in der Carnegie Hall nicht herabsetzen. Ich habe es geliebt, dort zu spielen, und ich hoffe, dass ich noch einmal die Gelegenheit dazu habe. Ich wünschte sogar, jeder könnte diese Erfahrung machen. Aber es ist nur eine Erfahrung. Es ist wie eine Reise in den Himalaya, auf die Bahamas, ein Flug mit einem Hubschrauber, einen Pinguin zu sehen oder ein schönes Video, in dem man mit Delfinen schwimmt. Das sind schöne Dinge, aber sie sind nicht notwendig. Es sind keine Dinge, die einen als Mensch wirklich erfüllen ...

...es ist nicht essenziell ...

Es ist nicht lebensnotwendig! Man kann ohne diese Dinge leben. Wenn man nach diesen Dingen strebt, hat man eine unglaubliche Leere in seinem Leben. Ich habe das gesehen. Ich habe Freunde und Kollegen, die extrem erfolgreich sind. Extrem reich. Und sie sind so uninspiriert, so neidisch, so leer – da will man einfach nicht hin! Und man denkt immer: Oh, das wird mir nicht passieren! Aber glaubst du wirklich, dass du der Einzige bist, dem das nicht passieren wird?

Was sollte Ihrer Meinung nach neben dem Instrument selbst noch unterrichtet werden?

Wir müssen lernen, wie wir mit Erfolg und Misserfolg umgehen. Was auch immer man unter „Erfolg“ versteht, wir müssen lernen, ein erfülltes Leben zu führen, auch wenn das bedeutet, etwas anderes zu tun als das, wofür wir ursprünglich ausgebildet wurden. Je besser man auf das echte Leben vorbereitet ist, desto mehr Optionen hat man von Anfang an. Und diese Optionen können sehr spezifisch sein, sogar innerhalb der Ausbildung zum Musiker. Zum Beispiel sollten wir alle Improvisieren lernen, Jazzakkorde lesen und verschiedene Stile spielen können. Man kann das Blattspielen üben, Kammermusik spielen oder mit Sängern zusammen spielen. Man kann sogar komponieren. Man muss nicht der weltbeste Komponist sein, aber man kann Arrangements für andere schreiben. Es gibt so viele Wege, die man einschlagen kann. Allein diese Fähigkeiten geben einem so viel mehr Freiheit und Möglichkeiten, mehr Output.

…und Input…

Genau! Output und Input!

In einem großartigen Projekt mit dem ONJ, dem nationalen Jugendorchester Luxemburgs unter der Leitung von Pit Brosius, haben wir zum ersten Mal im piano duo Projekt zusammengearbeitet. Zum ersten Mal seit über 20 Jahren habe ich Sie nicht als Comedy-Künstler erlebt, sondern als hoch ausgebildeten, perfektionistischen klassischen Musiker, der selbst in der Tradition großer Künstler steht und sein Wissen mit ebensolcher Konsequenz weitergibt.

Mit welchen Traditionen brechen Sie als Lehrer und an welchen halten Sie bewusst fest?

[lacht] Tradition ist eine Konstante, die immer mit Sorgfalt behandelt werden muss! Alles, was Tradition um der Tradition willen ist, ist nicht mehr gut: „So wurde es gemacht, also muss es so sein ...“.

Ob man nun denkt, dass heute alles schlechter ist als früher oder nicht: Heute ist alles, was man hat! Die beste Zeit ist jetzt. Und selbst wenn es nicht die beste Zeit ist, ist es die einzige Zeit: Die-einzige-Zeit-ist-jetzt!

Man muss heute leben, anstatt zu versuchen, der Vergangenheit gerecht zu werden oder in die Zukunft zu schauen. Ich denke, viele Dinge, die von Menschen vor uns entdeckt wurden, sind natürlich Gold wert. Wir stehen auf ihren Schultern.

Aber wir leben heute nicht mehr wie vor hundert Jahren und wir atmen nicht mehr wie vor hundert Jahren. Ich sage nicht, dass das besser oder schlechter ist. Aber der Punkt ist, dass wir heute als Menschen anders sind als damals. Wir können also nicht einfach eine Tradition importieren, sie in die heutige Zeit übertragen und erwarten, dass sie funktioniert. Man muss damit geschmackvoll, sensibel und mit Bedacht umgehen.

Aber es muss doch etwas geben, das Sie bewahren und weitergeben möchten ...

Eine Sache, die ich auf jeden Fall an die nächste Generation von Musikern weitergeben möchte, ist das Zuhören. Ich glaube, man sollte niemals eine Note spielen, ohne sie vorher zu hören. Das habe ich von bestimmten Lehrern gelernt. Einer meiner Lehrer sagte mir: „Selbst wenn du stimmst und das A gibst, solltest du darauf achten, wie du das A gibst." "Sei immer in den Prozess des Zuhörens involviert " , das ist etwas, das ich auf jeden Fall weitergeben möchte.

…Sie haben fast schon die nächste Frage beantwortet:

Sie haben unserem piano duo Projekt erlaubt, Sie eine Woche lang während der Proben, Ihres Workshops und des Konzerts mit dem ONJ unter der Leitung von Pit Brosius mit der Kamera zu begleiten. Wir haben Sie während der Dreharbeiten nicht nur als großartigen Menschen und geduldigen Lehrer erlebt, sondern auch als Musiker, der jedem Detail enorme Bedeutung beimisst. Ich erinnere mich, wie Sie minutenlang mit dem Schlagzeuger am Klang der „Peitsche” gearbeitet haben. Minutenlange Proben für einen einzigen kurzen, hellen, scharfen Schlag mit zwei kleinen Holzbrettchen. Gibt es für Sie überhaupt Details in der Musik, die Sie vernachlässigen können? Und was wäre für Sie das Unwichtigste für eine gelungene Interpretation?

Ohne jeden Zweifel: Das Unwichtigste ist, ob jemand Fehler macht …

… falsche Töne?

Falsche Töne, falsche Intonation, was auch immer ... das ist absolut unwichtig. Wenn wir auf all die Konzerte zurückblicken, die wir besucht haben, die uns wirklich bewegt haben, können wir uns nicht daran erinnern, dass es falsche Töne gab. Wenn dich etwas wirklich berührt, kannst du dich einfach nicht daran erinnern, was schiefgelaufen ist.

Aber es gibt eine Sache, auf die ich sehr allergisch reagiere: wenn Musiker einfach aufgefordert werden, „zusammen zu spielen“, synchron zu sein, nur um der Synchronität willen. Viele Musiker versuchen einfach, im Einklang zu spielen, nur um zusammen zu spielen. Aber was wirklich zählt, ist ein gemeinsamer Atem, ein gemeinsamer Puls und eine gemeinsame Vision davon, wo man hin will. Wenn das dann zusammenkommt, ist das ein Bonus.

Ich denke, das sollte immer Priorität haben. Das Gleiche gilt übrigens auch für das Klavierspiel – jede Stimme sollte sich auf ihre eigene Weise bewegen. Deshalb sind Bach-Fugen auf dem Klavier so unglaublich schwer, denn wenn man echte unabhängige Polyphonie zulässt, wird es zu einer ganz anderen Herausforderung.

Ich erinnere mich auch an eine andere Geschichte: Sie haben den Musikern erklärt, dass „schräge“ oder „falsch komponierte“ Töne für unsere Ohren kein Fehler des Komponisten sind, sondern mit Bedacht komponiert wurden. Und genau deshalb sollte man nicht versuchen, diese Töne durch bewusst leises Spielen oder fehlende Betonung ausblenden. Ganz im Gegenteil: Sie haben die jungen Musiker ermutigt, diese „schrägen“ Klänge, diese musikalischen Makel, zusätzlich zu betonen...
Wie wichtig ist der komponierte Fehler in der Musik? Und sollte er wichtig sein – warum ist fehlerfreies Spielen so wichtig?

Auch hier gibt es meiner Meinung nach eine Art Bedürfnis oder Konditionierung, dass klassische Musik sauber und rein sein muss. Und wenn sie sauber und rein ist, dann muss sie gut sein. Aber viel klassische Musik ist extrem „schmutzig”. Ich meine „schmutzig” im positiven Sinne. Man kann mit ziemlicher Sicherheit sagen, dass alles, was in der Musik der großen Komponisten ein wenig abnormal, schrullig, schmutzig oder falsch erscheint, zu 100 % beabsichtigt ist. Das war kein Zufall, sie waren nicht taub. Selbst Beethoven hatte eine extrem klare Vorstellung davon, wie er bestimmte Klangtexturen haben wollte.
Als Menschen können wir nicht in einer sterilen Umgebung leben. Wir brauchen die Bakterien um uns herum. Aber viele Musiker umgeben ihre Musik mit Desinfektionsmitteln und Sterilisationsflüssigkeiten, um sie extrem sauber und perfekt zu machen. Musik ist ein Teil der Natur, und daher ist es natürlich, dass Musik aufgrund ihrer harmonischen Struktur und der Frequenzen der Obertöne nicht „sauber“ sein kann.

Um bei dieser Metapher zu bleiben: Wie können wir uns den Unterschied zwischen Musik mit und ohne Bakterien vorstellen?

Als die ersten CDs auf den Markt kamen und man mit diesen hochauflösenden Aufnahmen begann, wurden viele Obertöne sowie die hohen und „schmutzigen“ Frequenzen entfernt. Ich werde nie vergessen, wie ich eine LP der Pianistin Maria Yudina mit Schuberts Sonate in B-Dur hörte. Damals war das für mich einfach die unglaublichste Interpretation. Ich sagte mir: „Das muss ich auf CD haben!“ Also suchte ich wochenlang, sogar monatelang, und eines Tages fand ich sie endlich und kaufte sie sofort. Aber als ich sie mir anhörte, war ich extrem enttäuscht. Ich dachte: „Oh, das kann doch nicht die Aufnahme sein, die ich gehört habe!“

Also rief ich meinen Freund an, der die LP besaß, und fragte ihn: „Kannst du mir das Datum und den Ort der Aufnahme vorlesen?“ Und es war genau dieselbe Aufnahme, die ich gekauft hatte. Genau dieselbe! Aber es waren zwei völlig unterschiedliche Erlebnisse.

Aber abgesehen von dieser Geschichte ist das beste Hörerlebnis, das man haben kann, wenn man eine 78-U/min-Schallplatte hört. Ja, es gibt viel Rauschen, es ist nicht sauber, man hört die Nadel, man hört die Rillen. Aber ich schwöre Ihnen, man hat das Gefühl, der Künstler steht mit einem im Raum. Heifetz ist da, Édith Piaf ist da, Elvis Presley ist da! Sie sind nicht irgendwo weit weg. Wenn man den Klang bereinigt, verliert man das Wesentliche.

Das Gleiche gilt, wenn man die Interpretation „sterilisiert“. Wenn man versucht, Musik zu sehr zu polieren, wenn man sie perfekt verpackt, verliert man etwas Wesentliches. Die Technologie hat das Hörerlebnis nicht unbedingt so verbessert, wie wir denken. Und dasselbe gilt meiner Meinung nach auch für die musikalische Interpretation – man darf die „schmutzigen Töne” nicht entfernen.

Welche Eigenschaft schätzen Sie persönlich an Ihren musikalischen Partnern am meisten?

Flexibilität. Einfühlungsvermögen. Zuhören. Und die Bereitschaft, alles auszuprobieren.

Apropos „Partner“: Wie wichtig ist Ihnen ein guter Flügel?

Für mich als Pianist steht außer Frage, dass das Instrument einen großen Einfluss darauf hat, wie wohl man sich fühlt und wie viel Freude man an seiner Arbeit hat. Wenn das Instrument nicht passt und nicht leicht auf das reagiert, was man möchte, wird es eher zu Arbeit – weniger Spaß, mehr Stress.
Andererseits glaube ich, dass das meine Aufgabe als professioneller Pianist ist. Ich bin kein Pianist, der es sich leisten kann, sein eigenes Instrument mitzunehmen; diesen Status habe ich nicht. Wie die meisten Pianisten bin ich dem Instrument, das mir zur Verfügung steht, ausgeliefert.

Die meisten meiner Lehrer haben mir gesagt, ich solle niemals dem Klavier die Schuld geben. Es liegt in meiner Verantwortung, besser zu sein als das Instrument.
Einmal habe ich mich darüber beschwert, dass ich keinen Übungsraum mit einem guten Klavier finden konnte. Mein Lehrer sagte: „Dann such dir einen Übungsraum mit einem schlechten Klavier! Du solltest auf so vielen schlechten Klavieren wie möglich üben – so entwickelst du deine Technik!“
Technik bedeutet, Probleme so schnell wie möglich zu erkennen und herauszufinden, wie man sich darauf einstellen kann. Je besser man mit den unterschiedlichen Eigenschaften von Klavieren vertraut ist, desto besser kann man mit verschiedenen Herausforderungen umgehen. Und es gibt immer Pedale, die nicht ganz funktionieren, und Töne, die nicht tragen.

Hat sich die Situation, auf schlechten Flügeln spielen zu müssen, verbessert, seit Sie berühmter geworden sind?

Meine Karriere als Konzertpianist begann relativ spät, daher hatte ich nicht das Privileg, von klein auf eine Fünf-Sterne-Karriere zu genießen, bei der man nur die besten Klaviere bekommt. Ironischerweise muss ich jetzt, wo ich das Glück habe, in einigen der schönsten Konzertsäle zu spielen und sie ihre teuren Klaviere herausholen, sagen, dass die meisten davon wirklich von schlechter Qualität sind. Ich glaube, die Qualität des Klavierbaus hat drastisch abgenommen. Selbst in diesen renommierten Konzertsälen, wo ich aus einer großen Auswahl an 9-Fuß-Flügeln [Anm.: Konzertflügel, ca. 274 cm] der besten Marken wählen kann, muss ich mich noch anstrengen.

Es hat sich also eigentlich nichts geändert: Man spielt heute auf neueren Klavieren, aber die Klaviere sind inzwischen schlechter geworden...

Es gibt viele Konzerte, bei denen es heißt: „Houston, wir haben ein Problem!“ Wir müssen irgendwie zurechtkommen. Und so ist es dann: Ich muss arbeiten! Es kostet viel Energie, alles zum Laufen zu bringen, sodass wenig Raum für Träume, Kreativität und Fantasie bleibt. Das macht nicht viel Spaß, es ist Arbeit.

Und wie sieht diese Arbeit genau aus?

Wenn ich vor dem Konzert die Möglichkeit habe, mich aufzuwärmen und das Klavier auszuprobieren, versuche ich, nicht negativ zu sein. Ich versuche, mich nicht von meiner Enttäuschung überwältigen zu lassen, denn das hilft nicht weiter. Mein nächster Gedanke ist: Wie kann ich das, was ich kann, lösen, wenn der Techniker nicht da ist? Vieles kann auch ein Techniker nicht lösen. Und dann ist es so: Ok, ich habe 45 Minuten Zeit, um mich mit diesem Klavier anzufreunden. Irgendwie versuche ich, alles, was ich mir wünsche, in das Klavier zu legen. Ich bin noch nie auf einem Pferd geritten, aber es ist ein bisschen so, als würde man ein Pferd nehmen, aufsteigen und ihm zuflüstern: „Hey, schau mal, wir sind Partner. Lass mich auf dir reiten, wir haben das gleiche Ziel. Lass uns Freunde sein.“
Ich betrachte ein Klavier wirklich als eine Art Lebewesen, als eine Art lebenden Organismus.

Welche Eigenschaften sollte ein guter Flügel für Sie haben?

Sie haben mich neulich an ein Interview erinnert, das wir vor einigen Jahren geführt haben, als Sie mir folgende Frage gestellt haben: Was ist ein schöner Klang? Meine Antwort lautete in etwa: Der Klang, den die Musik braucht!

Wenn ich es in einem Satz zusammenfassen müsste: Ein großartiger Flügel ist ein Instrument, das mir auf Knopfdruck den Klang liefert, den ich für die Musik für richtig halte.

Ich mag keine Klaviere, die besser sind als ich. Damit meine ich: Wenn ich das Klavier nicht gut spiele, aber der Klang, den ich zurückbekomme, eigentlich ganz gut ist, bin ich unzufrieden! Ich habe das Gefühl, ich betrüge, weil ich diese Information nicht gegeben habe! Ich hätte etwas Hässlicheres zurückbekommen müssen, das irgendwie zu meiner Spielweise passt. Und wenn ich das Gefühl habe, keinen Einfluss darauf zu haben, macht mich das verrückt! Solche Klaviere mag ich nicht!

Ihr Duo Igudesman & Joo wird sich Ende 2025 aus dem Tournee-Geschäft zurückziehen, was bedeutet, dass Sie als Solokünstler weitermachen werden. Was bedeutet das für Ihre musikalischen Projekte? Worauf können wir uns freuen?

Nun, selbst in diesem letzten Jahr, in dem ich mit meinem Duo auftrete, habe ich mehrere Soloprojekte, auf die ich mich unglaublich gefreut habe. Ich begann das Jahr 2025 mit einer Aufführung von Rachmaninows zweitem Klavierkonzert mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. Das ist wirklich eines der besten Ensembles, und ich schätze mich sehr glücklich, mit ihnen zusammengearbeitet zu haben. Ich hatte mehrere Auftritte mit der Sopranistin Asmik Grigorian, nicht nur ein Liederabend in der Mailänder Scala, sondern wir führen auch eine Show auf, die wir gemeinsam entwickelt haben – „A Diva is Born“ bei den Salzburger Festspielen, und wir werden an die Wiener Staatsoper zurückkehren, wo wir letztes Jahr die Weltpremiere hatten.

…ist das eher eine Show als ein Konzert oder etwas dazwischen?

Sagen wir, es ist ein Konzert, wie ein Konzert meiner Meinung nach sein sollte. Ich kann das nicht definieren, weil ich keine feste Vorstellung davon habe, was ein Konzert sein sollte. Ich möchte immer ganz klar sagen: Ich glaube nicht, dass meine Art, ein Konzert zu gestalten, die einzige Art ist, ein Konzert zu gestalten. Wie ich bereits sagte, kann man auch einen Abend mit Bach und Beethoven spielen, ohne zusätzliche Spielereien oder Spezialeffekte, und es kann eines der faszinierendsten Erlebnisse sein. Es kommt ganz darauf an, wie man es aufführt und präsentiert – mit Leichtigkeit.

Jedes Konzert sollte eine Überraschung sein. Wenn man einen Film sieht oder ein Buch liest und schon weiß, was passieren wird, ist es kein guter Film oder kein gutes Buch. Wenn man nach zwei Minuten schon weiß, wer der Mörder ist, was hat man dann noch davon, weiterzuschauen oder weiterzulesen? Das Gleiche gilt für ein Konzert. Selbst wenn man Beethovens 5. Sinfonie hört, die so berühmt ist und die man schon hunderttausend Mal gehört hat, sollte es sich immer noch so anfühlen, als würde man sie zum ersten Mal hören. Und ein Großteil dieser Verantwortung liegt beim Interpreten. Wie kann man sie so aufführen, dass sie frisch klingt? Aber wenn die allgemeine musikalische Herangehensweise und Interpretation nicht auf Entdeckung ausgerichtet ist, spielt es keine Rolle, wie viele Tänzer, Spezialeffekte oder Multimedia-Elemente man hinzufügt – es wird nichts besser.

Der Rückzug aus meinem Duo bedeutet auch, dass ich mehr Zeit zum Komponieren habe. Ich habe kürzlich ein Buch mit 10 Klavierstücken unter dem Albumtitel Childhood fertiggestellt, wobei jedes Stück einen Aspekt der Kindheit widerspiegelt, von denen einige sehr persönlich für mich sind. Derzeit arbeite ich auch an einem Liederzyklus mit einem einzigartigen Ansatz für die Texte. Die Texte stammen alle von Schriftstellern, die eine Affinität oder Verbindung zur Musik haben, oder von Musikern, die auch schreiben. Das erste Lied, das im Mai letzten Jahres uraufgeführt wurde, basiert auf einem Text von Alessandro Baricco aus seinem Roman „Novecento“. „Novecento“ handelt von einem Pianisten, der sein ganzes Leben auf einem Schiff verbringt und nie einen Fuß an Land setzt. Er war tatsächlich bei der Premiere dabei, die mit dem 30-jährigen Jubiläum seines Buches zusammenfiel – eine totale Überraschung für mich!

Können wir uns auf ein Wiedersehen mit Hyung-ki Joo und unserem piano duo Projekt freuen?

Das ist interessant, denn ich glaube nicht, dass ich es wirklich aufgegeben habe. [lacht] Irgendwie fühle ich mich immer noch dabei. Ob man es nun Wiedersehen oder Fortsetzung nennen will – auf jeden Fall!

Zunächst einmal ist es ein großes Glück, dass Sie diese Flügel gefunden haben, oder besser gesagt, dass diese Klaviere Sie gefunden haben, einen guten Besitzer. Wie wir beide wissen, werden viele Flügel schlecht behandelt, sogar von Konzertsälen. Sie werden wie Möbelstücke oder ähnliches behandelt.

Ich habe den älteren Flügel noch nicht gesehen, aber ich habe ihn gehört – und er klingt wunderschön! In der Zwischenzeit habe ich mir einige Stücke angehört, die ich auf dem jüngeren Flügel gespielt habe, zum Beispiel das Ravel-Konzert und mein Stück Chandeliers in Luxemburg mit dem Orchester. Ich bin wirklich stolz darauf, an diesem Projekt beteiligt zu sein.

Vorhin habe ich erwähnt, dass man sich mit einem Flügel anfreunden muss, weil es ein lebender Organismus ist – und ich glaube, ich habe mich mit Ihrem Instrument recht gut angefreundet. Es gab einige Herausforderungen, einige Probleme, die es zu lösen galt. Das ist eigentlich sehr interessant, denn eine der kniffligen Stellen – Sie erinnern sich sicher – war der letzte Triller im zweiten Satz. Ich habe aus dieser Erfahrung viel gelernt: Sie haben mir unter anderem gesagt, dass die schwarzen und die weißen Tasten nicht gleich sind – sie haben unterschiedliche Hebel. Instrumental gesehen hat Ravel also einen sehr schwierigen Triller komponiert! Aber möglicherweise hat er auf Ravels Érard wunderbar funktioniert! Wie Sie bereits sagten, wurden die älteren Flügel anders gebaut. Aber seitdem habe ich diesen Triller auf anderen Flügeln ausprobiert und genau das festgestellt, was Sie gesagt haben. Ich glaube nicht, dass es an mir liegt; ich glaube, ich bin in der Lage, einen Triller zu spielen, aber besonders in dieser Oktave ist es nicht einfach.

Aber Sie haben die Probleme scheinbar mühelos und recht schnell gelöst. Und der Klang! Wenn ich mir das jetzt auf Video anhöre, hat der Klang eine gewisse Resonanz und Ehrlichkeit – eine Klarheit, aber nicht eine Klarheit wie „Oh, das ist so klar“. Es ist eher wie das deutsche „Ja klar!“ oder das englische „Of course!“. Dieses Klavier macht keine halben Sachen. Es ist kein Klavier, das Make-up mag, und man kann ihm auch kein Make-up auftragen. Es lässt keine billigen Tricks zu. Ich würde nicht sagen, dass es ein einfaches Instrument ist, aber das ist großartig für mich, denn ich glaube weder an Make-up noch an billige Tricks.

Es ist wirklich einer dieser Flügel, an die man sich einfach hinsetzen und meditieren kann – das liebe ich daran. Es ist ein Flügel, den ich gerne zu Hause hätte. Letztendlich empfinde ich die größte Freude, wenn ich ein so gutes Instrument spiele. Man setzt sich einfach hin und lässt sich gehen – chillt, entspannt, genießt. Man muss keine Erwartungen erfüllen oder etwas leisten. Dieses Instrument hat diese Qualität. Es ist das perfekte Instrument. Das ist das Instrument, nach dem ich immer gesucht habe.

Um diese Frage abzuschließen: Sie haben mich nach der Wiedervereinigung des piano duo Projekts gefragt – ich würde sagen, das ist der Beginn einer wunderbaren Beziehung!

…Hoffentlich! Mit großer Freude!

Was wünschen Sie sich für die Musikindustrie in der Zukunft?

Ich wünsche mir, dass die Musikindustrie mehr Zeit und Ressourcen in die jüngere Generation investiert – indem sie Musik in Schulen fördert, junge Menschen inspiriert und junge Musiker dabei unterstützt, sich von vorgefassten Formeln und falschen Traditionen zu befreien. Wir sollten die Branche dazu ermutigen, kreative Schritte zu unternehmen, um klassische Musik zugänglicher, näher und vertrauter zu machen. Das ist mein größter Wunsch: dass die Musikindustrie versucht, die richtigen Botschafter zu finden, und dabei hoffentlich Erfolg hat.

Die Leute in den Ledersesseln – diejenigen in Machtpositionen – müssen sehr sorgfältig ausgewählt werden. Ich wünsche mir mehr Leistungsgesellschaft. Musiker sollten aufgrund ihres Talents und ihrer Authentizität auf die Bühne kommen und so gezeigt werden, wie sie wirklich sind. Manchmal sehe ich Freunde von mir auf CD-Covern und erkenne sie wegen zu viel Make-up oder Photoshop überhaupt nicht wieder. Das ist beängstigend!

Hyung-ki Joo, vielen Dank für Ihre Zeit!