Hyung-ki Joo, Teil I

Hyung-ki Joo ist ein Multitalent: Er ist Kenner der Tradition und Entdecker neuer Wege, Koch und Gourmet,  Botschafter der Musik, der Inspiration und ein begeisterter Designer des Glücks. Mit ihm spreche ich über den Menschen Hyung-ki Joo, den Pianisten, Komponisten und Non-Konformisten, den Comedian, den Lehrer und den ständig Lernenden mit einen Ehrendoktor-Titel…

Lesen Sie hier den ersten Teil unseres beeindruckenden Gesprächs!

Herr Joo, glauben Sie an Zufälle?

Wow... eigentlich nicht.

Warum nicht?

Ich glaube, ich weiß, was die meisten Menschen unter „Zufall“ verstehen. Und meiner Meinung nach hängt es für viele Menschen auch von ihrem Glauben ab. Ich bin mir ziemlich sicher, dass wir alle schon einmal an einen Freund gedacht haben, den wir seit fünf Jahren nicht mehr gesehen haben, und eine Sekunde später ruft diese Person an. Und dann sagt man normalerweise: „Oh mein Gott, was für ein Zufall.“ Aber wenn man die Welt aus einer anderen Perspektive betrachtet, sieht man es nicht als Zufall. Man sieht es als „die Art und Weise, wie die Dinge sind“. [lacht]

Ich weiß, dass das für viele Menschen verrückt klingt, aber Menschen haben das Bedürfnis, Dinge zu rationalisieren. Entweder brauchen sie ein religiöses Glaubenssystem oder sie müssen es „Glück“ oder „Zufall“ nennen. Aber je älter ich werde und je mehr ich diese „Zufälle“ sehe, desto mehr wird mir klar, dass es keine Zufälle sind. Sie werden tatsächlich von jemandem geplant.

Natürlich werden viele Leute, die das lesen, denken: „Okay, der Typ ist verrückt.“ Aber ich glaube, dass es daran liegt, dass man diesen Zufall entweder wollte oder dass das Universum ihn für einen heraufbeschworen hat, aber man hat ihn geformt. Man wollte ihn. Sie haben es angezogen. Sie haben davon geträumt. Ihr Unterbewusstsein hat sich danach gesehnt. Es ist eine Manifestation. Es ist einfacher zu sagen: „Oh, das ist einfach ein totaler Zufall.“

Aber ich glaube, dass man trifft die Menschen, die man treffen soll, und verpasst die Busse, die man verpassen soll.

Aber wenn man sein Glück und seinen Weg irgendwie selbst gestalten kann – warum passieren dann Dinge, die ich mir nie wünschen würde?

Gibt es vielleicht ein Beispiel aus Ihrem eigenen Leben, bei dem solche verrückten Dinge ohne Vorbereitung passiert sind und Ihnen buchstäblich der Boden unter den Füßen weggezogen wurde – und das sich erst später als wichtiger Wendepunkt herausgestellt hat?

Ein Beispiel aus meinem eigenen Leben wäre, als ich mit 19 Jahren meine Mutter verlor. Natürlich wäre es mir lieber, sie würde heute noch leben. Seitdem vermisse ich sie jeden Tag. Andererseits glaube ich, dass ihr Tod mir einen völlig anderen Weg eröffnet hat – einen Weg, den es sonst vielleicht nicht gegeben hätte, oder zumindest nicht auf die gleiche Weise. Es wäre vielleicht trotzdem passiert, aber der Weg dorthin wäre viel länger gewesen.
Ohne zu sehr ins Detail zu gehen, glaube ich ehrlich, dass ihr Tod es mir ermöglicht hat, einen Gang runterzuschalten, mich zu verlieben und Menschen kennenzulernen, die zu den wichtigsten Freundschaften meines Lebens werden sollten – und auch zu den wichtigsten geschäftlichen und kreativen Beziehungen.
Nach dem Tod meiner Mutter kam ich für zwei Jahre nach Wien. Diese zwei Jahre waren zwei der dunkelsten meines Lebens, aber sie gehörten auch zu den besten. Sie waren mit so vielem gefüllt, in einer Zeit, in der ich keinen Orientierungssinn und keine Bodenhaftung hatte. Ich musste lernen, was es bedeutet, eine Mutter zu verlieren.

Mit 19 fühlt man sich wie in einem D-Zug, der von einem Düsenantrieb angetrieben wird, und glaubt, dass man dazu bestimmt ist, einem bestimmten Weg zu folgen – ein Konservatorium zu absolvieren, einen großen Klavierwettbewerb zu gewinnen und so weiter.

Was haben Sie aus dieser sehr existenziellen Erfahrung gelernt?

Es ist wie ein Meteor, der auf die Erde trifft. Aber dann muss man sich anpassen. Man muss weitermachen. Und der Tod ist sowieso Teil des Lebens. Aber wir sind nicht darauf vorbereitet. Der Lebenszyklus reicht von der Geburt bis zum Tod, doch die westliche Kultur verschließt sich dem Tod. Wir sprechen nicht darüber. Wir unterrichten nicht darüber. Es ist ein Tabuthema.

Wie hängt der Tod mit Musik zusammen? Anders gefragt: Kann Musik ein Mittel sein, um über den Tod und die Bedeutung des Endes, der Sterblichkeit allen organischen Lebens zu sprechen? Als Sie über den Tod als das große Tabu sprachen, wurde mir sofort klar, dass mich Musik vor allem dann berührt, wenn mir bewusst wird, wie zerbrechlich Musik ist. Wenn ich die direkte Beziehung und Ähnlichkeit zwischen Musik und Leben spüre. Dann wird mir klar, wie zerbrechlich die Gedanken eines Komponisten sind. Wie heikel das Timing ist, ebenso wie das perfekte Verhältnis von Tempo, Rhythmus, Lautstärke und Klang. Und natürlich sind manchmal sogar die richtigen Noten kein Nachteil. Man kann immer ausrutschen und scheitern. Alles ist sehr zerbrechlich und es gibt keine zweite Chance für den perfekten Moment ...

...und so ist es auch im Leben...

...Können wir also sagen, dass Musik nur einmal stattfindet, in der Gegenwart, und alles, was danach kommt, vielleicht außer Sichtweite und außer Kontrolle gerät? Es ist nicht möglich, das letzte Konzert zu „fotokopieren“, indem man es beim nächsten Mal genauso perfekt spielt, oder?

Ich glaube, dass die Leute das versuchen. Sie versuchen, das Konzert von gestern oder die Proben von vorgestern zu klonen und zu reproduzieren. Ich würde sagen, dass das allgemeine Musikbildungssystem viel zu ziel- und ergebnisorientiert ist, und diese Ziele müssen ernsthaft überprüft, aufgefrischt und neu belebt werden.

Menschen, die darüber nachdenken, Musik zu ihrem Beruf zu machen, kommen oft aus einer Ausbildung am Konservatorium und sind nicht darauf vorbereitet, mit dem Leben als Musiker zurechtzukommen. Sie können vielleicht eine Caprice von Paganini perfekt spielen – absolut fehlerfrei und erstaunlich schnell um zwei Uhr morgens. Aber das bedeutet nicht, dass sie für das Leben gerüstet sind...

...und wofür?

Ja, und wofür!

Ich würde lieber schlafen! [lacht] Wirklich! Ich meine, was ist das Ziel, was ist der Sinn dahinter?

Ich denke, eines der Hauptprobleme ist, dass Musiker nicht lernen – oder nicht die Chance bekommen – die wahre Kraft der Musik zu erleben. Die Leute glauben, dass es die größte Leistung oder das ultimative Ziel ist, in der Carnegie Hall zu spielen oder ein Album für die Deutsche Grammophon aufzunehmen. Aber an diesen Orten erlebt man nicht wirklich die wahre Kraft und Wirkung der Musik.

Ich bin der Meinung, dass jeder Musiker so früh wie möglich in Pflegeheimen, Krankenhäusern, für behinderte Kinder, für Gefangene und für Menschen in der Palliativpflege spielen sollte. Dort spüren sie, wie Musik Menschen berührt und wie sie das Leben eines Menschen verändern kann.

Haben Sie eine solche Erfahrung gemacht?

Ich habe ein Konzert für eine Schule für gehörlose Kinder gegeben, als ich etwa elf Jahre alt war. Damals hatte ich nur sehr wenig Konzerterfahrung. Als mir jemand sagte, dass wir in einer Gehörlosenschule spielen würden, dachte ich: „Was soll das bringen? Sie werden doch nichts hören können.“ Aber sobald ich zu spielen begann, passierte etwas Unerwartetes. Plötzlich rannte die Hälfte des Publikums auf die Bühne. Ein oder zwei der Kinder setzten sich direkt neben mich, einige krochen unter das Klavier und andere steckten ihre Köpfe in das Instrument. Einige tanzten um die Bühne herum. Viele der Kinder machten selbst Geräusche, wie Summen. Ich war damals sehr verwirrt.

Aber dieses Ereignis sollte sich als einer der wichtigsten Momente auf meinem Weg als Musiker herausstellen. Denn nach einer Weile verstand ich, was geschehen war – ich hatte die wahre Kraft der Musik erlebt. Ich weiß, dass es wie ein Klischee klingen mag, über die „Kraft der Musik“ zu sprechen, aber man versteht erst, dass es kein Klischee ist, wenn man für gehörlose oder schwerhörige Kinder gespielt hat, die nicht auf die gleiche Weise kommunizieren können, wie Sie und ich es jetzt tun. Man spielt Bach – oder was auch immer – und plötzlich sind diese Kinder lebendig! Sie tanzten, bewegten sich, berührten das Klavier, spürten die Vibrationen. So erlebten sie die Musik. Und dann versteht man wirklich: Wow! Musik ist so viel mehr als nur das Spielen von Noten. Musik kann tatsächlich das molekulare Wesen eines Menschen verändern. Sie verändert seine Stimmung für die nächste Stunde, was sich auf seinen Tag auswirkt, was sich auf seine Woche auswirkt und sogar sein ganzes Leben beeinflussen kann.

Ihre Geschichte über die gehörlosen Kinder ist sehr bewegend. Ich sage immer, dass die Welt heute so aus dem Gleichgewicht geraten ist, weil die Menschen aufgehört haben zuzuhören – wir, die wir hören können, werden langsam taub. Könnte die Kraft der Musik – wie in Ihrer schönen Geschichte – die Welt heilen?

Wenn die Freude an der Musik einmal Teil Ihrer DNA geworden ist, sind Sie nie wieder derselbe. Ich wünschte wirklich, dass jeder Politiker in der Regierung als Kind Musikunterricht gehabt hätte. Denn ich glaube wirklich, dass die Wahrscheinlichkeit geringer wäre, dass sie ignorant werden und den Bezug zum Wesentlichen des Lebens verlieren, sobald sie an der Macht sind. Ich habe oft gedacht, wenn Soldaten brasilianischen Bossa Nova spielen würden, bevor sie in den Kampf ziehen, würde niemand gehen! Ich kann mir nicht vorstellen, wie man sich dazu bringen könnte, sich gegenseitig umzubringen, nachdem man brasilianischen Samba gehört hat.

Nachdem Sie erklärt haben, dass Sie nicht an Zufälle glauben, man sich sein Glück aber bis zu einem gewissen Grad selbst schaffen kann: Würden Sie sagen, dass das in Ihrem Leben ganz gut funktioniert hat?

Glück und Zufall sind Brüder – oder sogar Zwillinge! Ich denke, es wäre unfair zu sagen, dass ich kein Glück hatte. Andererseits glaube ich, dass man sich sein Glück selbst schafft. Man arbeitet für sein Glück. Es gibt wirklich nur eine Sache, auf die man im Leben zurückblicken und messen kann, was man richtig gemacht hat – und das ist, ob man das Beste aus den Chancen und Karten gemacht hat, die einem gegeben wurden. Interessanterweise wurde der Schauspieler Christoph Waltz kürzlich gefragt, wie viel Prozent seines Erfolgs er dem Glück zu verdanken hat. Und er antwortete: „100 % Glück!“

Das Leben war für mich nie ein einfacher Weg – und ist es immer noch nicht. Aber ich kann mich nicht beschweren. Die letzten zwei Jahrzehnte waren eine gute Portion Glück – und auch Glück, um das ich gebeten habe, Glück, das ich mir selbst erarbeitet habe. Ich wusste immer aus dem Bauch heraus, wenn etwas Potenzial hatte. Und ich wusste, wann es sich lohnte, alles zu riskieren.

Ich glaube, wenn man bereit ist, alles zu riskieren, und wenn man die Arbeit und das Engagement aufbringt, muss sich das auch auszahlen. Ich glaube nicht, dass man am Ende mit leeren Händen dasteht.

Gibt es irgendeine Art von Glück, mit dem Sie nicht gerechnet haben oder das Sie nicht geplant haben und das Ihnen praktisch „von außen“ geschenkt wurde?

Wie gesagt, mir sind viele glückliche Dinge passiert. YouTube hat dabei sicherlich eine große Rolle gespielt. Damals hatten wir keine Ahnung, was YouTube war. Jemand schlug vor: „Warum stellst du nicht ein paar Clips auf YouTube ein?“ Also haben wir im Dezember 2006 zwei Videos hochgeladen, die sich innerhalb weniger Wochen wie ein Lauffeuer verbreiteten. Dann haben wir noch ein paar mehr gepostet und plötzlich hat sie jeder geteilt.
Wir befanden uns in einer sehr seltsamen Situation. Zufällige Leute, nicht nur Musiker, erkannten uns auf Flughäfen, in Geschäften – kamen auf uns zu und sagten: „Hey, ihr seid doch diese Musiker auf YouTube!“ Es war surreal. Wir hatten das Gefühl, erfolgreich zu sein, aber in Wahrheit hatten wir noch keine Karriere.

...Moment mal: „... wir waren erfolgreich, aber wir hatten eigentlich noch keine Karriere“?

Wir hatten keine Konzerte! Es war der Beginn des Internet-Phänomens, aber wir waren von Anfang an dabei – die ersten klassischen Musiker, die viral gingen. Heute kann man mit Erfolg im Internet gut leben. Aber dafür bin ich wahrscheinlich zu alt und es ist zu spät.

Aber Sie haben es geschafft: gerade noch rechtzeitig! Welchen Rat würden Sie jungen Musikern geben, die am Anfang ihrer Karriere stehen?

Ein Freund von mir sagte immer gerne: „Sei vorsichtig, was du dir wünschst, denn du könntest es bekommen.“ Als junger Erwachsener habe ich das nie wirklich verstanden. Man muss eine sehr klare Vorstellung davon haben, was man sich wünscht und wie man dorthin gelangen will. Dieser Plan muss gut durchdacht sein. Aber dann muss man auch in der Lage sein, loszulassen und völlig flexibel zu sein. Man muss jederzeit bereit sein, seinen sorgfältig ausgearbeiteten Plan über Bord zu werfen und zu einem, wie man so schön sagt, neuen „Plan A“ überzugehen.

... Das ist Glück. Echtes Glück [Gelächter] ...Sie haben sicher selbst viele gut gemeinte Ratschläge erhalten, oder?

Natürlich! Aber eines habe ich gelernt: Hören Sie nie auf den Lärm. Die Leute lieben es, Lärm zu machen. Sie sagen alle möglichen Dinge. Und oft, weil sie Ihnen gefallen oder selbst gut dastehen wollen. Sie sagen nette Dinge, machen Ihnen Versprechungen. Auf die muss man mit sehr kleinen Ohren hören. In meinem eigenen Leben würde ich sagen, dass von all den Menschen, die zu mir gesagt haben: „Oh mein Gott, du bist so fantastisch, wir müssen dies tun, wir müssen das tun“, fast keiner seine Versprechen gehalten hat.

Zur Erinnerung: Wir haben erstmals 2001 bei der Aufnahme von „Fantasies & Delusions“ im Mozartsaal des Wiener Konzerthauses zusammengearbeitet. Die Stücke wurden von Billy Joel komponiert, Produzent war Steven Epstein. Das Niveau Ihrer Interpretation, die Qualität der Aufnahme und des Flügels standen einer Brendel-Aufnahme in nichts nach. Allein mein letzter Satz wird jetzt wahrscheinlich bei Klassik-Puristen Empörung hervorrufen – und Kopfschütteln, wenn ich erwähne, dass Ihre CD damals auf Platz 1 der Billboard Classical Album Charts landete und insgesamt 60 Wochen in den Charts blieb.

Ist das Klassikgeschäft zu elitär, um die ganz großen Erfolge zu erzielen?

Nun, ich weiß nicht, ob es wirklich zu elitär ist, um große Erfolge zu erzielen, aber die Tatsache, dass die Welt der klassischen Musik es liebt, elitär zu sein, ist mit Sicherheit das größte Gift, das sie sich selbst zufügen kann. Wenn ich „Welt der klassischen Musik“ sage, meine ich damit alle, die in der klassischen Musikszene tätig sind. Ich würde niemanden davon ausnehmen. Und wenn ich „Person“ sage, meine ich nicht Einzelpersonen – es gibt natürlich viele wunderbare Einzelpersonen – sondern ich beziehe mich buchstäblich auf jeden Teil, der die Welt der klassischen Musik ausmacht: der Intendant, der Veranstalter, der Orchesterdirektor, der Musikkritiker, das Konservatorium, der Student, der Lehrer, der Künstler, der Klaviertechniker, der Geigenhändler, das Publikum, der Radiosprecher, die Grafikdesigner von Plakaten und Programmheften, die Dokumentarfilmer ... sie alle sind dafür verantwortlich, dass klassische Musik zu einer elitären, gefährdeten Spezies geworden ist.

Alle, die in der Welt der klassischen Musik tätig sind, leben von diesem Elitedenken. Sie werden mich dafür verachten, dass ich das sage, aber ich würde gerne ihre Motive hinterfragen. Denn ich glaube nicht, dass sie ihren Job aus Liebe zur Musik machen. Ich spüre das einfach nicht. Ein Elitist kann nicht etwas aus Liebe zu etwas tun. Per Definition entfremden Elitisten 99 % der Welt von klassischer Musik.

Wir halten uns für so wichtig – weil wir Beethoven spielen, weil wir Bach spielen, weil wir auf die Juilliard School gegangen sind, weil wir Intendant eines renommierten Musiksaals sind, weil wir der Chefkritiker der New York Times sind. Wir denken, das macht uns zu besonderen Menschen. Aber das tut es absolut nicht. Es macht uns überhaupt nicht zu etwas Besonderem. Ich denke, die Welt der klassischen Musik schießt sich selbst ins Knie. Und wir stehen jetzt vor Konzertsälen, die nicht voll sind. Das ist ganz deutlich zu sehen. Einer der Hauptgründe dafür ist, dass wir kollektiv in dieser Blase des Elitismus leben und denken, wir seien besser als der Rest. Selbst als Musiker denken wir, wir seien besser als andere Musiker. Wir denken, wir seien Jazzmusikern, Rockmusikern, Heavy-Metal-Musikern und Rap-Musikern überlegen.

Wir diskriminieren und erheben uns selbst. Wie können wir also erwarten, dass die Menschen uns lieben? Wir schaffen diese Aura der Unantastbarkeit. Wenn man klassische Musik so verpackt, dass sie wie eine Beerdigung oder eine elitäre rituelle Zeremonie wirkt, dann wird ein 14-Jähriger natürlich nicht in einen Konzertsaal gehen wollen.

Können Sie sich noch daran erinnern, wie es war, als Sie jung waren und in diese Welt der Eliten eintraten?

Als ich 13, 14 Jahre alt war, ging ich auf Konzerte und hatte das Gefühl, die Person zu sein, die klassische Musik am meisten liebt. Das Gefühl habe ich heute noch. Aber als ich im Konzert saß, hatte ich das Gefühl, gehen zu wollen. Es gab eine Diskrepanz zwischen dieser unglaublichen Musik, die von einem großen Genie geschrieben wurde, Musik voller Leidenschaft und Freude, voller Emotionen. Und die Atmosphäre im Saal, vom Künstler bis zum Publikum, war so versnobt und feierlich, dass ich keinen Zugang zu dieser Freude an der Musik finden konnte. Und ich dachte, ich will gehen. Aber was bedeutet das, wenn ich derjenige bin, der klassische Musik mehr liebt als jeder andere auf der Welt, und ich gehen will?

Was bedeutet das also?

Houston, wir haben ein Problem!
Wenn klassische Musik in Filmen oder Videospielen verwendet wird, sieht man, dass das allgemeine Publikum klassische Musik liebt. Verstehen Sie mich nicht falsch. Ich sage nicht, dass wir sie vereinfachen oder die Qualität herabsetzen müssen. Im Gegenteil, die Qualität muss immer auf dem höchstmöglichen Niveau sein, das man erreichen kann. Ich glaube, dass selbst Zuschauer, die mit klassischer Musik nicht vertraut sind, unbewusst spüren, ob sie mit hoher Qualität versorgt werden oder nicht. Sie können es vielleicht nicht genau benennen und erklären, warum. Aber ich denke, wir alle spüren, wenn uns jemand ein wenig anlügt oder uns etwas ein wenig billiger gibt. Qualität ist also sehr wichtig. Zunächst einmal muss der Kern aus Qualität bestehen. Nur Gewürze in eine Suppe zu geben, ist nicht die Lösung, um eine schmackhafte Suppe zuzubereiten. Aber dann muss man die Suppe nicht mit weißen Handschuhen servieren. Wir müssen uns von den weißen Handschuhen verabschieden.

Können Sie erklären, warum Musik in „U“- und „E“-Musik unterteilt wird?

Nun, in der deutschen Sprache wird zwischen „U“ für Unterhaltungsmusik und „E“ für ernste Musik unterschieden. Als Duo Igudesman & Joo haben wir immer den Witz in der deutschen Sprache gemacht, dass „U“ für „Unterhaltung“ und „E“ für „Entertainment“ steht [lacht].
Ich persönlich halte diese Trennung für schädlich und unsinnig für die Musik. Ich finde, es gibt so viel Kategorisierung und Klassifizierung und Schwarz-Weiß-Denken in dieser Welt – und das bei Musik zu tun, ist einfach eine Schande. Mozart schrieb ein Requiem und skatologische Kanons, einer ist in Latein über den Tod, der andere über das „Kacken“. Aber als er über das „Kacken“ schrieb, war er kein schlechterer Komponist. Er war derselbe Mozart. Und er schrieb diese Kanons mit der gleichen Einstellung und Qualität des Genies, das er war. Er sagte nicht: „Jetzt schreibe ich ein Lied über Kacke“, also werde ich meine Qualität mindern, weil dies jetzt Unterhaltungsmusik für die niederen Massen ist.“

Ist das ‚Geschäft mit der klassischen Musik‘ überhaupt noch zeitgemäß?

Ich denke, einige Teile des Geschäfts mit der klassischen Musik versuchen, mit der Zeit zu gehen. Ich kann nicht mit absoluter Sachkenntnis sprechen. Ich kann nur sagen, dass dies mein allgemeines Gefühl ist, basierend auf dem, was ich gesehen habe. Ich habe immer noch das Gefühl, dass das jährliche Programm der meisten Konzerthallen eine Art „Copy-Paste“-Situation ist. Man könnte einfach den Umschlag einer Saisonbroschüre abnehmen und auf eine andere legen, und es wäre im Grunde dasselbe. Es sind so ziemlich dieselben Künstler; keine Institution ist bereit, junge Künstler zu fördern, Risiken bei Künstlern einzugehen, die vielleicht nicht Anne-Sophie Mutter sind, aber etwas Interessantes zu sagen haben. Und die Programme sind im Grunde auch gleich.

Aber warum ist das so?

Ich denke, zum Teil liegt es an einem Mangel an Vorstellungskraft, an mangelnder Neugier und an mangelndem Wissen der Künstler selbst. Aber andererseits, um fair zu sein, liegt es auch an einem Mangel an Vorstellungskraft und Wagemut der Programmgestalter. Sie haben in der Regel die Entscheidungsgewalt. Und es ist eine bekannte Tatsache, dass viele Orchester, Veranstalter oder Konzerthallen, selbst wenn sie einen bestimmten Künstler mögen, nicht zulassen, dass jemand ein Konzert spielt, das nicht als erfolgreiches Konzert gilt. Und selbst wenn ein Veranstalter es tun möchte, lautet das nächste Argument: „Unser Publikum wird nicht kommen“. Aber man muss sein Publikum erziehen, man muss ihm eine Chance geben. Selbst in unserer kleinen elitären Nische können wir nicht immer nur dieselben Stücke spielen.

Seit vielen Jahren arbeiten Sie und Ihr Kollege Aleksey Igudesman in Ihren Shows mit vielen Weltstars aus der Pop- und Klassikmusik sowie mit Hollywood-Persönlichkeiten zusammen. Täusche ich mich oder habe ich recht, dass Sie beide die Katalysatoren sind, auf die viele klassische Musiker gewartet haben, damit sie endlich jung und dynamisch, entspannt und befreit auf der Bühne auftreten können?

[lacht] Ich denke, ein wichtiger Grund, warum viele dieser sogenannten „ernsthaften klassischen Künstler“ bei unseren Sketchen mitmachen, ist, dass wir alle im Grunde unseres Herzens Kinder sind. Wir haben die Verbindung zu unserem kindlichen Selbst verloren. Irgendwann sind wir erwachsen geworden. Wir nehmen uns selbst zu ernst. Aber in uns steckt immer noch ein Kind. Und wenn wir mit Symphonieorchestern oder Künstlern wie Emanuel Ax oder Gidon Kremer zusammenarbeiten, geben wir ihnen die Erlaubnis, kindlich zu sein, Risiken einzugehen und Spaß zu haben, wie es Kinder tun.

Was macht die Arbeit mit einem Orchester für Sie so besonders?

Das Interessante an der Zusammenarbeit mit Orchestern ist, dass sie innerhalb eines bestimmten Rasters, einer bestimmten Zeitachse arbeiten. Sie haben ihre Notenständer, ihren Dirigenten, und vieles davon dreht sich darum, „Anweisungen entgegenzunehmen“. Sie werden nicht wirklich als individuelle Menschen behandelt. Das gefällt mir nicht. Orchestermusikern wird in der Tat viel Respektlosigkeit entgegengebracht. Vielleicht steht der Name des Orchesters für einen gewissen Respekt und einen gewissen Stellenwert, aber die Musiker selbst nicht so sehr. Und das finde ich wirklich schade. Denn wenn man das übersieht, verpasst man die Chance, diese Menschen als Individuen zu sehen. Und sie sind Individuen – jeder hat einen Namen, eine Geschichte, Gefühle. Sie kommen zusammen und finden einen Weg, als Kollektiv zu arbeiten. Und dafür sollten sie gefeiert werden.

Wenn Sie nach Ihrer Show am nächsten Abend zu einer „ernsten“ Aufführung gehen, verwandeln Sie sich dann auch innerlich in einen „normalen“ klassischen Pianisten?

Ich verändere meine Einstellung nicht! Und das ist die Analogie zu dem, was ich vorhin über Mozart gesagt habe, dass er verschiedene Arten von Stücken geschrieben hat. Um die Botschaft des Komponisten zu vermitteln, muss man das richtige Timing finden, man muss das richtige Atemgefühl haben. Wenn es also lustig ist, muss es mit einem bestimmten Timing unterstrichen und vorgetragen werden, damit das Publikum den Witz verstehen kann und Zeit hat, darauf zu reagieren. Und wenn die Musik nachdenklich oder schmerzhaft ist, muss man sich ganz darauf einlassen. Aber das Maß an Engagement und die Präzision der Absicht sind gleich.

Wenn ich das James-Bond-Thema spiele, spiele ich es mit der gleichen Ernsthaftigkeit wie Beethoven op. 111 – die harmonischen Spannungen, Dissonanzen, Vorhalte, die Schaffung von Überraschung sind die gleichen!

Wie viel von der Leichtigkeit von „Hyung-ki Joo, dem Komiker“, bleibt auf der Bühne während eines Klavierkonzerts von Ravel unverändert?

Ich denke, es sollte in allem viel Leichtigkeit stecken. Wenn etwas zu schwer ist, ist es wirklich schwer zu verstehen und noch schwerer zu verdauen. Wenn man dem Dalai Lama zuhört, wie er über tiefe, spirituelle und kraftvolle Themen spricht – er tut es mit einem Lächeln.

Bernstein hat in einigen seiner ernstesten Vorträge – in denen er über Dinge wie Tod, Zerstörung und so weiter sprach – immer mit einer gewissen Leichtigkeit gesprochen. Man wusste, dass er jeden Moment lächeln oder einen Witz machen konnte. In allem, was er sagte, lag Wärme. Ich glaube nicht, dass es um Komödie oder Drama geht. Es geht darum, ob hinter der Botschaft, die man vermitteln möchte, Wärme, Freundlichkeit und Freude stehen. Das ist der Schlüssel. Freude und Freundlichkeit bringen Licht. Licht als das Gegenteil von Dunkelheit und auch das Gegenteil von Schwere. Wir nehmen Liebe und Botschaften viel leichter mit Leichtigkeit auf als mit Dunkelheit und Schwere.

Was ist Ihrer Meinung nach der Grund dafür, dass Komponisten klassischer Musik oft als schwerfällig und weltfremd dargestellt werden? Wenn wir nur an Haydn und Mozart denken – die müssen ja zum Umfallen komisch gewesen sein! Hatten sie vielleicht einfach einen anderen Humor, den wir heute nicht mehr erkennen?

Ich bin mir ziemlich sicher, dass es unsere fehlgeleitete Interpretation ist. In der Welt der klassischen Musik gab es schon immer Witzbolde, und auch in der Welt der zeitgenössischen Musik gibt es heute noch viele davon. Die Leute spielen sich gegenseitig alle möglichen Streiche. Es läuft wieder auf diese Image-Sache hinaus – diese Vorstellung, dass Musik ernst sein muss, sonst kann sie nicht ernst genommen werden. Ich denke, deshalb werden Komponisten oft als dramatisch und ernst dargestellt.

Ich erinnere mich an einen Besuch in Ravels Haus – das werde ich nie vergessen. Er litt unter Schlaflosigkeit und musste daher oft tagsüber schlafen. Um das Sonnenlicht abzuhalten, baute er Fensterläden für die Fenster. Aber weil er so ein Träumer, so ein Fantast war, schnitzte er kleine Sterne in das Holz der Fensterläden, um die Illusion einer sternenklaren Nacht zu erzeugen.

ENDE Teil I

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